局部第一季

第一季

第一集 王希孟 《千里江山图》

第二集 布法马可 《死亡的胜利》《地狱》

“可是艺术顶顶要紧的，不是知识，不是熟练，不是咱们现在说的所谓文化教养，而是直觉，而是本能，而是那种最最新鲜的感受力。”

“因为我们中国的绘画文化、绘画传统，是《千里江山图》，不是《死亡的胜利》。”

第三集 蒋兆和 《流民图》

“可是孟德斯鸠说过一句话：人在苦难中才更像一个人。”

“大家想想看，这是一个受难的民族，一个战胜国对待《流民图》的态度，这幅问世于沦陷时代的创作，日本敌国怎样憎恨不去说了，胜利后，《流民图》在本国还是遭遇憎惧，权力的意志让这幅画辗转于高层的毒语和封尘的库房，《流民图》中的流民像鬼魂一样流进蒋先生的画里，结果这幅画也像鬼魂一样，在胜利后的岁月背负罪名、差点被销毁，这才是真的灾难，而且是难以战胜的灾难。”

第四集 文森特·梵高 《杏花》《吃土豆的人》

在荷兰初学画时的早期作品 憨人梵高 大巧若拙

画穷苦人的对比 德国珂罗惠支的《暴乱》 中国王式廓的《血衣》

第五集 巴齐耶 《画室》《粉红色连衣裙》《家庭团聚》《夏日》

第六七八集 文森特·梵高 《海边的渔夫》

谁养艺术家、绘画的放纵、非正式魅力。

画家从巫师、到宫廷画师、到“self-employ”。

7

以前画家的宫廷订件和印象派画家的自由创作。

锡管颜料的诞生让印象派随时随地作画得以实现。

一起写生的毕沙罗和塞尚的画作的对比，毕沙罗尽量完成，而塞尚每幅画都没有完成，“打开的作品openwork”。

8

“毕加索说过另外一句话，他说希腊人，罗马人，文艺复兴人，在那画画都有一个规则，可是到了梵高开始，每个人必须做自己的太阳。”

“（吴作人）他说你们要知道，什么时候停下来，要知道画，也要知道不画。”

晚年的德加眼睛不太看得见了，就做点雕塑，也喜欢写十四行诗，写完之后就给他的诗人朋友马拉美看。“他说，哎呀，我心里还有很多意象，没有写出来，结果马拉美对他说，亲爱的，诗不是意象，是字和词。德加是非常刻薄的一个人，也非常会说话，可是听到这句话，他说，我在你面前丢丑了。”

“碑不如告，告不如书。石刻的碑文不如墨写的文件，墨写的文件不如私信的草稿。”

“但我要提醒大家，所谓未完成，所谓打开的作品，是一个早就过时的命题，早就过时的革命，但所有革命啊，遗患无穷，除了若干天才，自从印象派闹了这么一场之后，全世界千千万万画家就猖狂起来，画了不知道多少糊涂乱抹未完成的画。那么‘尽其妙也’也是一句漂亮话，漂亮话也是遗患无穷的。”

第九集 瓦拉东母子：苏珊娜·瓦拉东、莫里斯·尤特里罗

她是第一个提供了女性视角的女裸体和男裸体的画家。

第十集 关紫兰《少女像》 丘堤《静物之一》《平湖秋月》

“（关紫兰）她下笔的胆气，和瓦拉东有一拼，而且是纯然的天生，你比起刘海粟那种胆气那种霸悍，她一点不是造作的，一点不是刻意的”

“（丘堤）她的静物画，以我所见，我愿意说是中国第一。好在哪里呢，同样是画花、瓶子、衬布，她知道避俗，出手非常简静，她的画不比瓦拉东好，但是比瓦拉东高。第二，就是她的素心。第三就是见物性，物性又分两层，一个就是她画的那些东西，就是不修饰，不渲染，是物体的恰如其分，也是她对物体的敬意和爱意，另外一层呢，就是材料的物性，就是颜料和笔，丘先生敷色、行笔、起止、收束，她始终都是不温不火，到处都是浓淡得宜，这很难做到的，不光是本事，就所谓温良恭俭让入了画，就是丘先生这种境界。第四呢，当然她也是非常民国的气息，自发，自在，自主，自适，而且自尊。”

第十一集 徐扬 《乾隆南巡图》

第十二集 卡帕齐奥《朝圣前的典礼》

讯息与景别

影像介入大量次要讯息 意大利导演费里尼《八部半》 贝托鲁奇《1900年》《同流者》

塔可夫斯基 《牺牲》 景别运用

“一部电影，一幅画，其实是看导演和画家，怎样诱导观众的目光，我这么看这个场面，是要你也这么看，然后个人的风格，他要说的意思，就通过这个观看出来了，这个是视觉艺术的命根子。”

“但是这两位天才（卡帕齐奥和费里尼）的影像和画面，我又要说，和徐扬还有点接近，就是热衷于次要的信息，为什么呢，因为重要的不是故事，而是场景，诱人的未必是情节，而是观看本身。”

第十三集 苏里科夫《近卫兵临刑的早晨》《女贵族莫洛卓娃》 列宾《伊凡雷帝》《查波罗什人复信土耳其苏丹王》

苏里科夫做到了油画民族化

“西方对俄罗斯的文学和音乐高度重视，但是到今天为止，他们仍然坚持，对俄罗斯的绘画无知，至少，好像不想有知。”

“陀思妥耶夫斯基说过一句话：在亚洲，我们是欧洲人，在欧洲，我们是亚洲人。”

“西方对俄罗斯绘画的批评，通常是指，不是纯绘画，这种绘画是一种文学的附庸，我认同的，但我心里不服。欧美极少数艺术家和学者知道苏里科夫和列宾，正好今年上半年，我和一位英国的老学者谈起俄罗斯的委屈，他也蛮同意，但他说西方人可能有两个词批评俄罗斯绘画，一个就是narrative，就是叙述性的绘画，还有一个就是sentimental，太伤感主义，我也认同的......但我还是不服，整个文艺复兴的绘画，就是《圣经》的附庸，是《新/旧约》的图解。”

（俄罗斯也是我的少年情结啊 片尾《山楂树》一响起来就眼睛酸）

第十四集 弗拉·安吉里柯 《耶稣受难》《嘲弄耶稣》《三博士的朝拜》

Angelico类似一个外号 意文 天使般的

“你到了这里面，你不单是安静下来，而且一切到此为止，你的家，你的国，你过去的记忆，全都消失了，有一点点像电脑死机的样子。同时呢，一切就开始了，你会自然而然地心里面有一念，就是万事罢休，从此静心修道，你会有这么一个念头。你面对的是空荡荡的四壁，只有耶稣和圣徒陪着你，准确地说，其实就是你跟安吉里柯面对面，此外什么也没有。”

“13世纪中叶之后，整个14世纪，还有15世纪的上半，事情很有意思了，这两百年的宗教画，人性，神性，你用不着分的，你也很难分开，你瞧见神性的地方，就是人性，你被人性感动了，你会发现那个是神性。......都说文艺复兴是欧洲人的黎明，在佛罗伦萨，在圣马可教堂的二楼，在一间一间小禅房里面，就在窗户旁边，那个安吉里柯的湿壁画，你会看见，什么是黎明的曙光。”

第十五集 菲罗马可斯（Phyromachos）《巨人的战役》

古希腊派格蒙祭坛雕塑

鲁迅 《“题未定”草》

“鲁迅很讨厌，读到他（朱光潜）这篇文章，他就出来跟他叫板，煞风景。鲁迅举了古希腊雕塑和陶渊明的一些例子，说他们并不会全然是静穆，他们还有别的境界。”

“照马克思的说法，古希腊是人类的儿童时代。”

第十六集 马塞尔·杜尚 《下楼的裸女》《泉》《L.H.O.O.Q》《杜尚的盒子》

被艺术耽误的职业棋手

达达主义 超现实主义

玛瑞娜·阿布拉莫维奇《艺术家在现场》 跟乌莱对视那幕堪比电影场景

“即使在欧美，说起艺术，还是指绘画和雕刻的意思。杜尚机警，一百多年前他就想，除了绘画和雕刻之外，艺术还有没有别的可能，他想重新定义艺术这个词，他做到了。”

“上次说到所谓前卫，就是事情做得太早，历史看不懂，也看不见，印象派小子很苦，等于在前线，直接跟沙龙、跟公众、跟旧势力斗。马塞尔·杜尚的前卫啊，笑眯眯地躲着，稍微弄几下子，他不声张。”

“晚年他说，他重视呼吸胜于一切。”

“站在绘画的立场上，当然会说，塞尚去世的那一年，1906年，是现代艺术的起点......那么，你以非绘画的立场，我以为，应该算是杜尚放弃画画的1912年起算。”

这一年，一门心思想成为代表性画家的杜尚参加了立体派的展览，潜心创造了著名的油画《下楼的裸女》，其实这幅画的动感非常有韵律感，只是对于评委而言这个作品就完全是不符合他们的审美，他们要求杜尚更改作品，杜尚没想到自诩倡导自由的先锋派竟然也 说是立体主义的极端表现。

原创/小孙字典没输字

幸好杜尚没有人云亦云，他凭着自己独立思考的能力，思想和情感没有受到群体的感染，变得颓唐和放弃。之后他凭着《泉》和独白成为了当代艺术的传奇，他又彻底颠覆了传统，神秘的蒙娜丽莎加了胡子后变成《L.H.O.O.Q》。

原创/小孙字典没输字

杜尚抱着玩的态度去工作和享受人生，他一边创作艺术，一边沉醉下棋，顺便结识了一批狂热的国际象棋爱好者，国际象棋夺走了他全部的注意力，甚至一度对画画的兴趣也淡漠许多。也许在他下棋博弈的时候获得了难得的宁静，完全没有对艺术品的嘈杂评论。

原创/小孙字典没输字

杜尚在颠覆性的艺术行为中宣泄了他的人生态度，抨击了传统的西方艺术内涵，也颠覆了观众对艺术的认知。他的一生也像自己的艺术充满着荒诞的黑色与有趣的灰色。

“就是梵高这幅这么小的画，我觉得他好，可是我又说不出它为什么好。我就想，观众可能会问：‘你等一等，你都不知道它怎么好，凭什么说他好？’这个问题是对的。我听到这种问题我就想跳河，就想跳楼、投河。问题是你跳楼、投河，你也说不清这个道理。我知道人喜欢有个答案，有了答案呢心里就安全，就放心。可我的脾气是不在乎答案，我喜欢找问题。“

这段话的理解绝不应当是像热评中所说的那样鲁莽，试图通过权威对自我鉴赏能力的缺失进行洗白，这是到了一定专业境界后或是艺术感知力较强的人才能够讲的话。只能说唯一很确定的是，这是一个习惯简化的，习惯提升又不喜欢卖弄的人习惯讲的话。

很客观的说，我多数时候也会有这种感觉，尤其是在阅片量偏低，并没有补充理论知识的前几年。毕竟“看电影”这项运动，只占我目前为止人生的18分之2。但学的越多之后发现好像蛮多东西都是有解的，即使记忆点和打动点却有时很不讲理。我除非费尽心思去琢磨，为了答案而寻求答案，不然我还是讲不出来一句半句，甚至连感觉都无法描述。我最自然的表达是像旁观者一般对我眼中所看到的这个作品，进行一番装作公平的评判。这种答案，我一直认为假如可以再学习进展，将来会是极佳的。听者也可以从里面，间接看出我的所谓三观和审美趣味。可好像听我说话的人或比较权威，更多是比较懒。他们没有细品的可能，只想你把最原始的东西、感情直接的呈现出来，且要适合听众的口味，还不能夸大做作。我好像一直学不会这种做派，还是说我一直不想屈从于这种直给的“肤浅”。既然生理基础决定人类有大脑会思考，那么为什么非要在某些场合进行退化，或是自我降级。

当我发觉了这种隔阂后，每当别人突击问我牵连到自我情感感受类的问题，我就会习惯躲闪，（立场问题不会，除非刻意隐瞒，或是实在不了解并不想鲁莽判断。）因为众口难调，不能满足大部分人的答案，即使一再强调主观也是罪恶的。或者说，我不想显得那么“自作多情”。这不应该是个一边倒的问题，不应该过于绝对，这会直接牵扯到生活体验。大家名人可以这样讲，但无名氏不能，这有些不公平，现状就是这样。我已经饱受抑制情感表达习惯所带来的不公，以及任性随意所带来的后悔，我很想这么讲话。所以眼下为了将来能够如此讲话，我亦开始找寻答案。

说实话，我不知道这算喜新厌旧吗。纯感知事物在找到答案后，大几率魅力不再。就像没有人会再复习1+1=2。

第二季已经出来了，我才偶然看到第一季。好像前阵子《千里江山图》大热的时候，也谈论到陈丹青。对热点这东西我一直都不太留心，并没有什么骄傲的资本，却不知道这样的态度算不算另一种自负。其实这种状况很像看各色展览，逛各种博物馆，你总是避不开人群，但是又别无选择。然而对于看一档节目就自由很多，当它冷却下来不再被热议，如果某一刻它仍然吸引了你，就如一场偶遇般惊喜。正如陈丹青说他去佛罗伦萨的圣马可教堂，看一间间小禅房里安吉里柯的湿壁画。同样的宗教题材，同样的人物画面，在这般安静的无人打扰的情形下，此刻仿佛化身其间修行的僧侣，你会有许多不一样的感受。画与它所产生的环境是一体的，你会明白为什么安吉里柯宁愿放弃做高官的机会，只想在这里画画。

片头的音乐让我想起《从卢浮宫到紫禁城》，当时看这部纪录片的时候，不太明白为什么到了最后就成了东西方绘画的对比。现在才明白，原来绘画在西方艺术史相当长的时间里占据着绝大多数的篇幅。纪录片介绍的是主流的大众的，而陈丹青讲的是完全私人的。他很认真的写了讲稿，甚至写得很文艺，但他非要端着稿纸好似漫不经心地念出来，似乎在告诉我们这档节目属于“订件”。然而他越是漫不经心你越是听得仔细，恐怕一个思维跟不上，就会少许多美妙的体验似的。可是他讲的仅仅是“局部”，或许他自己都不知道自己讲了些什么。他是自负的，当他说到人们向他索求答案的时候他会想死，当他看到那些考美院的孩子们的素描时他会想死。这种没有原因可说也许就是另一种自负吧，只是他用了相当谦逊于主流的方式来表达，然而越是冷静就越是鄙夷，他的自负比木心高明。

木心赞美鲁迅写的雪，然而他自己写的我以为比不上鲁迅。有一次我看到，木心拿自己和曹雪芹比，这种狂妄或许近似梵高认为自己将来会闻名世界一样，是艺术家的特质。然而我只想问问，即便木心和曹雪芹可比，那么我们的时代和曹雪芹的时代能不能比，如何比？实际上许多事败就败在你要去比，只要一比，就势必会把自己的思维困住，尚未下笔，就已经输了。而陈丹青说，世界历史上之所以有那么多伟大的文明，是因为他们不知有彼此。古希腊、古埃及、古巴比伦、古代中国都是如此。我们是历史的后来者，我们什么都知道，所以我们控制不住要自作聪明地去比较一番，这才是一本正经胡说八道。

我们如何去比较我们的上下五千年？你喜欢哪个朝代或者不喜欢哪个朝代。如果严肃一点说，你没有喜不喜欢的资格，你只能去了解、认识，尽可能的接纳。陈丹青说到徐扬的《南巡图》，诚然清朝是柔弱的、萎靡的、艳俗的，然而这就是清朝，和你所了解的广汉盛唐一样，它的存在不可替代。

陈丹青说王希孟的年轻，说梵高的憨，说古希腊是人类历史的少年期。他是在说一种元气和灵气，说人之生来的你没有办法的天分，这一点才是最稀缺最要紧的。如果少了这一点，你可以有学术，可以有传统，也可以有技巧，但却都构不成那个特别的你。我们这个时代，和以往不同的是，并不存在什么迫切需要解决的，尖锐到关乎生死的矛盾，所以我们的信仰也并不是那些可以拿出来呐喊的凛然大义。没有什么鲜明的旗帜，很包容也很多元，我们只想听点新鲜的。不一定要有什么用，而这一点新鲜却格外的难得。比如大多数人认可古希腊的雕塑是静穆的，而鲁迅偏要说，它们在诞生的时候也是雪白的，崭新的，在阳光下发闪的。

我们这一生会学到许多东西，眼界也会随着所学一点点广阔。可是等你老了再来看，却发现念念不忘的还是那几个作家，那几部电影，那几幅画，那几首歌。好像我们的情感归属其实老早就定格在自己的青春时代，只是有的人会一直保留着这元气和灵气，而有的人则一辈子纠结挣扎。我们不断地练习，不断地练习，却丝毫也不敢说自己到了怎样的程度。我们只想等来上帝垂青的那一刻，好像那幅画不是你画的，那首诗也不是你写的，正如王希孟一样，那是上帝让他画的。

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作者：小山

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今天继续说说陈丹青的《局部》，这次是增补版。我准备分集好好说一说，可能在说的过程中，如果有偏题的行为，请见谅。 《局部》出了11集，我现在看到第八集，总的来说，这是一部非常浅显易懂的美术节目，我暂时还不知道如何形容这节目，至少它不是娱乐、综艺类节目，而人文方面也不是很强。姑且把它定性为美育类节目。 和其他节目相比，陈丹青在讲美术的过程中，可以说是用一种近乎于低的方式来谈，在谈的过程中，有他自己的美术理念和美术想法在里面。我们从第一集就能明显的看出来。 第一集、 《局部》的第一集题目叫：千里江山图。我第一次看时，以为陈丹青就是讲画，因为我负责了一档美术类微信，当然大多数时候是在说日本的设计、西方美术史，一般不敢涉及我们国家的美术。仔细看这节目，陈丹青讲《千里江山图》时，在读完题跋后，会顺带说一下，断句如果不准确，希望国学家海涵之类的话。这并非陈丹青的谦辞，而是我们国家的美术提倡书画一体，古人写东西，没有标点符号，今人在解读时，会从字到画，整个解读，所以断句不准确，影响很大，陈丹青在讲这幅画时，并没有放开来讲。 不过这毕竟是第一讲，有些生疏也是一定的，我们看后面的节目就知道，他越来越游刃有余，收放自如。 不说这个，继续说节目内容。我们国家的美术是不好讲的，其原因无非就是一些考证、主旋律、画作分析等等，都不好讲。除了这些，我觉得更重要的是，撕逼太严重。有个词叫：文人相轻。这个词用到绘画上也是一样，艺术这东西，在我们国家很难说谁谁谁最牛逼，谁谁谁就是大师。就算是知道，写出来，也会有人去扒他们的黑历史。这里就不详细说了。陈丹青在《局部》的第三集里面已经提到，感兴趣的看了这一期节目，想要详细了解那幅《流民图》的，可以去网上查资料。 第一集，陈丹青其实是借《千里江山图》引出王希孟，表达的是年轻人在绘画上的天赋，列举一系列西方在艺术成就上非常牛逼、年轻有为的画家、音乐家、作家等等。从个人感触方面来说，陈丹青一是在鼓励年轻人，要有思想，要敢想敢做，当然这并不是说像一些互联网上一些90后那样吹牛逼，艺术与创业开公司是有非常大的差别。艺术可以是个人，企业必须全盘考量。 这里可以扩展一下，为什么我们国家这么多学美术的，到现在为止，也没有年轻人能画出伟大的作品？如果看过陈丹青在《锵锵三人行》上的演讲，我们会知道，他其实非常不喜欢讲美术，而一讲，便对我们国家的美术教育不满。你会从他的语言里会听到「学美术没什么用」、「画这么好干嘛，已经有摄像机，根本就没必要拥有这么多画家」等等。只要讲美术，他就是语不惊人死不休的感觉。 其实这是有原因的，他之所以不喜欢孩子学美术，最大的一点就是那些孩子不是真心喜欢画画，只为应付考试（也就是艺考），还有一点就是，画得好真的没用，画家并非比武，靠技艺取胜，而是靠纯粹美和思想。这一点他在《局部》后面几集里讲梵高，最为强烈。借用他自己说的，我们国家的美术教育，是反艺术的。 我们不能说整个国家出不了美术人才，出不了伟大的画家。或许更多的原因是这个社会关于艺术的培养是有问题的。 最后说一下，关于王希孟这个人，我在网上查到的资料是，这个人在史书中是没有记载的，而《千里江山图》没有其本人的款印，画上的题跋是蔡京所著。这又是为什么呢？现在你知道为什么我们国家的美术难讲了吧！ 第二集、 死亡到底是什么？在第二讲里，陈丹青讲了名叫《死亡的胜利》的一幅画。大多数时候，《局部》的标题可以忽略不计，陈丹青在讲一集时，可以延伸出很多内容，比如讲死亡，会涉及到中西美术的对死亡的看法，会涉及到美术的培养和教育，会涉及到战争等等。 说我们是一个破坏的国家，或许不那么为过，如果《死亡的胜利》这幅壁画出现在我们国家，被破坏成碎片后，会有人去修复吗？当然这幅画并不会出现在我们国家，因为我们国家的主旋律是《千里江山图》，并非《死亡的胜利》。大多数画寄情山水和人物，很少涉及死亡的命题。就算涉及死亡和鬼魂之类，中西方之间在绘画上的差异也会很大。比如在灵魂表现上，西方在表现灵魂时，会是赤裸裸，会用一杆称来称灵魂的重量，太重的就下地狱，轻的就上天堂。而我们国家会忽略这些逻辑，鬼魂是能穿上衣服的，这在西方美术是看不见的。 节目里讲到，《死亡的胜利》这幅壁画可以和敦煌壁画相媲美，那这是为什么呢？这里有许多历史原因，如果要了解，可以去看一本叫《美的历程》这本书，书里第五章和第六章，从各个层面讲诉了魏晋时期的书法、绘画、诗词等。一个时代它艺术形式的出现和产生，有其必然性，敦煌壁画之所以那么惊天地泣鬼神，也是如此。就正如节目中所说，梵高不可能出现在文艺复兴时期一样。 节目中提到的美术的教育问题，对此我是赞成的。对美的追求如同读书，需要人去引导。人不可能一生下来就识字，也不可能一生下来就知道什么是真正的美、纯粹的美。读书之所以要人引导，是因为现在阿猫阿狗，无论是谁都能出一本书，读多了那些人写的书并不好。美也是这样，需要人去引导，可惜的是，我们从小就没人去引导过如何认识美，接触美。如果有谁提起美，就是土豪、牛逼之类的语言脱口而出，仿佛学美术就高人一等，其实不是这样。没有一个正确的观念去对待美术，是一件很悲哀的事情。陈丹青讲美术，我想就在上一堂美育课。 第三集、 讲中国美术，是一件蛮难的事情，这件事可以从政治、社会、历史等等各方面去总结、归纳。我们国家的美术喜欢撕逼，喜欢遮遮掩掩。陈丹青没有，于是第三集他讲了蒋兆和的《流民图》。 我不知道有多少人看过《艺术的故事》这本书，书里有一句画说的很妙：一幅画对于一个文盲的意义，好比一本书对一个识字的人的意义。我们每次去看美术展览，尤其是自己国家举办的展览，可以说，绝大部分的展览都是在讲抗战，讲那些很壮烈的故事。借用陈丹青的那句话：我们国家的主旋律是《千里江山图》，而不是《死亡的胜利》。现今很少有人知道蒋兆和的《流民图》也是这个原因。 很多时候，去看美术史，会很有趣，比如画家画画，都是谁要求他画？谁出钱包养他们？为什么埃及金字塔里的壁画脸谱型那么严重，而到了希腊，又那么的光华璀璨，文艺复兴又那么喜欢抠细节，搞得那么繁复……这一一切的一切看下来都非常有意思，如果再回头看看我们国家的美术史，对比之下，会发现西方永远在寻求变化，在寻求逻辑，在寻找自我。我们国家大多寄情于山水和人物，很少将画作投向底层人物，千百年来出一个，却又被活生生扼杀。 《流民图》到底怎样，我们这里不去评价，借用孟德斯鸠的一句话：人在苦难中，才更像一个人。 一个人，从一个时代、一个世纪去看一幅画、一系列画，会发现很多有意思的地方。画家有时候并不完全在画画，我想更多的，是在表达他们对这个世界的观点。 第四——八集、 第四集和第八集有很多雷同的地方，我一起讲了。个人觉得这几集最有意思的是陈丹青说的两个问题：梵高的画为什么那么好看？一幅画怎样才算画完？ 先说第一个问题，很多人都喜欢梵高的画，但为什么喜欢，没人能说清楚。大部分人一说梵高的画好，就说他用色喜欢用对冲的颜色，并且用的非常漂亮。要么就说《向日葵》，说他很大胆的把向日葵摆在画的正中间，大片大片的黄涂抹上去，令人着迷。无论怎么描述，梵高画的魅力，迄今为止，我没见人说清楚明白过。 陈丹青讲梵高，也没讲清楚。这并不是说他不知道，而是内心感受，已很难用语言去描述。他只能用一个字形容：「憨」。在我看来，或许用纯粹美更好一些。梵高这一辈子画画，是真喜欢，他生平没靠画画赚过钱，没开过影展，更没人要求他去画画，去改画。他只是喜欢画，仅此而已。也就是是喜欢到纯粹的地步，使得他的画，美的自然，也正是纯粹的爱，才让他永远拥有一种孩童般的眼光看世界，孩童的眼睛看见什么就是什么，梵高看见什么就画什么。不多不少，不增不减，老老实实。 很多画家终其一生都在追逐这种纯粹美。陈丹青也是，可惜很难达到。可以说这是画家一种终极追求，在很多人看来这或许很好笑，觉得如果是这样，那自己也能画画。要明白的是，画家在经过不断的绘画训练后，再走回原点，和就在原地踏步的人，是很不一样的，这是一种对美追逐的过程，除他自己，别人无法感受。 之后再说第二个问题，一幅画怎样才算画完。我当初看陈丹青讨论这个问题时，很惊讶，在我的印象里，画总有画完的时候，怎么可能没有完就拿出来了。后来才发现，他所说的完，已经上升到一种哲学上的高度，类似于人是怎么来的，人应该去哪儿等等。 美术到了「印象派」这一阶段，就变得无法琢磨，因为这一帮子人画画，基本上都是画给自己看的，画山、画水、画人等等，都是自己画着玩儿。他们不会为了谁去改画，就是为了单纯的快乐，当然这也导致他们过得都很清贫。 那一幅画到底怎样才算画完？没有答案，也可能有答案。不过我更多的相信，一幅画无论是画完，还是没画完，在每个艺术家看来，都有他特别的意义所在。我们不需要去纠结这个问题，太过于痴迷，反倒会把自己变得模糊。 最后，美术史没完，我只是抛装引玉，希望你能对美术感兴趣。谢谢你能看到最后。 --------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------- 昨夜翻阅张佳玮所写《莫奈和他的眼睛》，看完后久不能眠，思前想后甚觉堵得慌，只因这本书吊书袋子太过严重，书中对莫奈及印象派所写知识，甚为潦草。 1、 莫奈生平比较简单，以前做微信，曾有幸查阅资料，得知他是印象派代表人物，擅长光与影的实验与表现技法，启蒙美术老师布丹，结婚两次，妻子卡米耶、爱丽丝，有一帮印象派的好哥们，晚年眼病，死于1926年，一生所画500多幅画作，无非如此。 莫奈生平就同一杯白开水样，倒是张佳玮用吊书袋子的办法东平西凑，将它扩展开来，只是这种扩展方法，太过草草，对整个印象派产生的时代背景、文学背景、演变过程以及莫奈的绘画技法都了解得略为肤浅，不够深入透彻，甚至有些断章取义，春秋笔法的意味在里面。 对于莫奈及印象派那帮老哥们我了解得不多，也未在现实生活中看过真迹，如果要粗略的了解莫奈生平，个人建议上维基百科查阅就好，若要了解印象派绘画技法，最好的方式是看原画，自己去感受，不要被太多华丽的形容词所误导。张佳玮所写莫奈的传记，我是不敢苟同，也不推荐阅读的。 一部好的个人传记，从个人角度来说，要么是根据史料有所发挥和研究，要么就本本分分记录人物。如果充满大量形容词并配以不够深入的历史背景加以发挥阐述，甚至揣摩每个人的内心戏，只能当做茶余饭后的笑料，不足为信。 不过印象派的发展确实历经磨难，书中所言不假，用陈丹青在《局部》里的话说，这帮人走得太过前卫，以至于很苦，促使学院画派瞧不起他们。 只是现在西方对学院画派所犯下的错误几乎闭口不谈，不知为何。 2、 看完书本，闲来无事，我所幸翻出剩下4集《局部》看，陈丹青说是讲画，倒不如说在讲自己的喜好，历史，文学以及内心感受。他坐在那里，讲俄国列宾、苏里科夫，说俄国家画手大气粗，是饱含历史的画作，有人说好，有人说不好，这些都无可厚非，只是现在大多数人在谈美术史时，从西方，美英法德等国入手，甚至在西方的美术馆里，都很难见俄国画家的画。这是文化霸权主义？ 可能是，也可能不是。陈丹青在视频里不想用这种词，说一用便落了下乘。不过我倒觉得俄罗斯19世纪后对文化输出确实弱掉很多，至少我们国家西化倾斜是不言而喻的事。说文化霸权，还是俄国文化有些太过拘谨，或不如西方百花齐放有趣。 3、 之后说看画，去美术馆看过画的人，对一幅画的感受，与电脑和书本上看来的感受完全不一样。我以前看《蒙娜丽莎》，对着电脑和书本，以为是幅大画，后来翻美术史，书里写达芬奇无论在哪儿都带着《蒙娜丽莎》，心里总有不妥，直到在网上看见罗浮宫里的展出，才发现那不过是很小的画。当然，米开朗基罗在教堂墙壁上画的《创世纪》更为惊人。一幅画在现场看，位于何种位置，对于欣赏者来说，都有不可思议的感受。 我个人既爱，又恨在美术馆看画，爱是迫不得已，恨是一幅画与美术馆的场景不合，像一场面宏大悲伤的作品，配上白色的墙面，挂在那里，隐隐有不舒服之感。若遇到一些雕塑，摆放位置狭小，无法转圈看，也是一大损失。不过全世界大多数的美术作品都已不在原位，希腊的在英法德都有，中国长卷画若太长，无法完整呈现，也不行。唯有那些西方教堂和东方古建筑里，人走进去能看见一幅幅漂亮的壁画，基督教，佛教的画，历经岁月，虽微有裂痕，却古朴的摆放在那里，使人静穆。 4、 在《局部》倒数第二集，有个观点非常有趣：超越。透过电脑屏幕我第一次看见一组名为《巨人的战役》的雕塑，镜头里那些遒劲的肌肉、挣扎的面孔透露出来的胆魄与气势，时隔千年，经久不衰。 真正的艺术家心里知道，希腊雕刻家的胆魄和能力，自己是无法超越的。无论是有人将罗丹比作伦勃朗，还是亨利·摩尔与希腊雕刻家相提并论，谦逊的艺术家们会慎重告诫别人，提醒自己，前人之作无法超越。那种伟大，是一种虔诚的佩服。 这不禁令我想到文学，古人说文无第一，武无第二。那真正的文学，有没有所谓的高低之分。或许真正的文学家，在心里也会有几位无法超越的前者吧。 5、 最后说说现代艺术，我去年差不多去川美看过几次美术展，九大美院的作品来罗中立美术馆展出，我也跑去看过，看时只觉处处惊喜，欢喜不已，整个美术展可以呆一天，一幅一幅画仔仔细细的看。有的巧藏机关，如发现，会心一笑，有的甚为不解，像小时候做奥数题，抓头挠耳，看明白后哈哈大笑，看不明白则暗自伤叹。 现代艺术很不好讲，仔细说来，何谓现代艺术，有的人觉得塞尚死后，也就是从1907年算是现代。有的人则认为从杜尚开始算作现代艺术。从表现上来说，艺术已抛开雕刻、绘画，已如行为艺术，表演艺术，观念艺术等等百花齐放的种类。我就看这些一件件从眼前闪过，猛然惊醒，恍然明白去年在各大美术学院所看的作品，无不有这些艺术的痕迹在里面，走过一圈，回到原点，内心悲喜交织，到最后到底是伤心失意多过欢喜，那一刻也明白拾人牙慧的含义。 现代艺术已超过了绘画和雕塑。它是前进还是倒退姑且不论（现在也没法论，或者很难论），但绘画所承载的历史意义，已在退去，人们不必去看一幅画明白佛祖或者耶稣在传什么教义，也不必因为彰显家中气氛购买一幅画。现在也几乎很少人靠绘画或雕刻为生。一切的种种，都意味着这个时代，已经不太需要绘画，它正在被边缘化。 那艺术该何去何从？陈丹青没说，也没法说。或许，我想，一切都应交给时间这把公平的尺子，它自会引导艺术向前走。

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作者：小山

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