日光之下2019

可能影片是想传递深度的生命、成长的意义给观众，这也是促使我看到评论就毅然决然地买票的原因，但是进去影院看完整场以后，真的感觉就四个字“莫名其妙”，剧中的场景也不和平常影片一样，充满着另一个世界的感觉，一下子把人拉回了那个年代，但是就在我期待着故事的高潮到底是什么的时候，高潮出现了，却是以一个少女的嫉妒感爆发，这个点也不是不好，只是我觉得前后脉络没接好，导致观众会觉得莫名其妙，而且比较容易反感。

而且电影中很多剧情交代也不清楚，有的没了下文，有的不知道为什么发生，总之，所有的东西，就四个字——莫名其妙。

对于影片想要传达的主题我还是蛮期待的，期待导演下一部电影，希望这么微妙、引入深思的主题能加入更加细腻，深入的电影构架，给观众来一场视觉和心灵的盛宴。

看完感觉很压抑，心底翻江倒海但是说不出是个什么滋味，想哭却一片空白大概就是这种感觉吧。

片名叫《日光之下》，乍一看和影片内容挺没联系的，但是故事里的广播也晦涩地说了：日光之下，并无新事，只是旧事的累积。故事的主线都贯穿着妹妹对哥哥的感情，这一切的发生不是新事，只是妹妹对哥哥的依赖的累积，喷薄而出的是隐忍多时的爱。

奔着吴晓亮老师来的，从他的孙兴久久不能自拔，他的情绪永远都是隐忍而细腻，需要回味的。不表达才是最好的表达，被理解才是真正的理解。

先来说说这个庆长姐姐，应该是影片里最正派的形象了，才貌双全，家境优渥，对所有人都热情且真诚，扎扎实实的让人向往。

然后就是谷亮，一个很鲜活的追求美好，正直善良的大众人物形象，因为从小没有父母与妹妹相依为命，年长的哥哥是妹妹唯一的庇护，好不容易在生活里有了妹妹以外的第二束光——庆长的到来，却因为失手打死人为未来惴惴不安，在庆长对离开犹豫不决时，他选择了放手，这也说明了他对未来已经有了定论，在良心的指引下他最终选择了自首。而上警车前留给妹妹最后的眼神，五味杂陈，他看不透未来究竟是什么样，事到如今不仅抓不住眼前的幸福，还可能要失去唯一的亲情…此时无声胜有声。

最后就是影片中作为第一视角的妹妹了，不管是出于正义，对店长的感激，对庆长分走哥哥的爱的恨，还是抱着得不到哥哥就毁掉的心态，谷溪举报了庆长爸爸一行人，这一行人也包括了她的哥哥，她知道哥哥也参与其中，因为她梦见了哥哥因她的举报离她而去…她也尝试着去接受庆长的到来而带来的生活的改变，但是庆长分走了唯一的哥哥的爱，这让她的缺失感越来越严重，理智和情感在她心里严重失衡，从而一次又一次地做出了这些出格的举动。许多人都在谴责妹妹的行为，但大家口中畸形的爱又是怎样被定义的？我无从得知，但即便是畸形，也是父母缺席一生带来的先天性缺口，是无法弥补的缺憾。因为是被照顾的那一方，妹妹对哥哥的依赖不是兄妹两个字就能概括的，在妹妹的世界里，无论畸形与否，但爱就是爱啊…

大梦一场后，妹妹最终还是后悔了，她试图收回自己的举报信，途中又意外得知店长被谋杀了，她知道事情可以不了了之，但事实却是无论妹妹的选择如何，都改变不了最终的结局。因为哥哥是内心向往正义的人，不同于冬子的逃避，他选择了自首。哥哥会跟从良心的指引，可见故事的结局在哥哥失手杀人时就已经有了定论，就像主题说的一样——日光之下，并无新事。

故事诠释得很隐忍，文艺片的美感就在于，艺术源于生活，接近生活的叙事手法也让影片里的人物形象变得活灵活现，不管是逛市场还是雪时爬山，镜头里的生活总是一地鸡毛。这无不让三人的身影变得更加清晰，贴近现实，身为一个没玩过雪的Z世代新生儿，我仿佛也能感受到在那个年代，那个环境里，人们的纯真和快乐。

这个世界很嘈杂，电影的意义就是放大生活里小人物的世界，让观众看到更多不一样的人生。诠释故事的时候，镜头一闪而过，各种人物的声音不绝于耳，好像还没听懂整个事件就讲完了；诠释感情的时候，镜头漫长且安静，每一个眼神和叹息都显得耐人寻味。这样的对比也在试着告诉观众：故事再长再复杂，静下心去思考总能明白；而情感这个东西再怎么去回味，也不见得能有个定论，因为爱是要我们用一生去参悟的。

影片简单来看就是以古溪的视角为立足点，讲述其某一阶段成长历程中的所见所闻与所作所为。在影片中展现的这段时光里，有悸动、有冲动、有感动、有短暂的喜与长久的痛。犯罪也好三角恋也罢，其实对于世界来说都不是新鲜事，就像一次又一次的石油泄漏一样，曾经有，之后也会有。只是对于古溪而言，是第一次经历的，推动她成长与蜕变的事。以谷溪为中心，从她的视角去体会这部电影，观影感受会好很多。

镜头的轻微抖动和谷溪内心的悸动不谋而合，时不时引入的宗教元素也为“成长”的命题增添几分缥缈与虚妄，背景音乐虽遭人诟病，但代入一下谷溪的心境与整部电影昏暗的基调，梦呓般的吟咏还是很具有感染力的。

很喜欢最后几个镜头，谷溪拔掉智齿，含着血咬下苹果，以及她倒退着在寒风中跑步，最后画面定格在她脸上，意味深长。虽然“苹果”最初在基督教里不涉及罪恶的含义，但是随着拉丁文版《圣经》的传播以及西方诸多宗教画家的创作，苹果代表罪恶、欲望，象征原罪的意义已经是广为人知了，双手捧着苹果在基督教里有“赎罪”的含义。谷溪在失去后最终完成了她的阶段性成长，同时她在回顾这段经历时也在反思自我，这通过她的拔牙、赎罪表达出来。而她倒退着奔跑，仿佛是想回到曾经改变过往，然而成长只能向前，没有回到过去的可能，一切都已成定数。

总之，影片带来的思考还是很多的。如果在艺术片里过分的追求叙事性那就有点太没意思了，欣赏中二次创作的过程也正是观影的乐趣所在。

这片几乎是凭一己之力反映出当下大陆剧情片创作最核心的困境。

剧作上呈现出一种在三幕剧和非三幕剧结构之间尴尬的摇摆。第一幕几乎占去50%，但几乎没有第二幕，最后硬拗出一个第三幕结束全片。这种残缺不全的三幕剧wannabe的剧作观感非常糟糕，感觉是一直在试图吊观众胃口，但并未奉献出任何真正能够吊起人胃口的东西。还不如像《邮差的白夜》这样完全抛弃三幕剧，直接以人物的日常生活作为讲述线索。（该片最开头貌似是有一点这种意思的，但是立刻被打断了）。

但如果以人物的日常生活作为叙事的主要对象，这几个人物本身也实在是缺乏趣味，也没有神秘感。又或者说本可以极度写实，用自然主义的质感打动人。但写实这方面的失败相信也不用我多说了。表演都还是戏剧式的，口音、环境、故事逻辑上不符合事实的地方也太多。不是说写实的东西就非得全素人去演，《邮差的白夜》最后的样貌就非常好。

人物关系的探索上也完全不如模仿对象《燃烧》。第一幕过去了50分钟，除了在男女主之外引入男二女二算是提供了新的剧作信息之外，男女主之间的关系完全凝滞，没有任何发展变化，或者新的维度上的展现。就是不停表现女主对男主单纯的依赖关系，真是实打实的无聊。

然后就是后半段加上的完全游离在人物之外的所谓罪案线。这种生硬和做作已经非常让人出戏了。

导演的技法是没有新人（学生）的生涩感的。影像上面的确已经是相对比较好的方面了，但顶多也就是中规中矩。但是他作为编剧，对这个故事的处理就是真的什么都想来一点：三幕剧、罪案、警察、东北、农村、年代、宗教、三角关系。国产文艺片全家桶基本齐活了（就差妓女了，但是女主也算是差点被卖去当妓女）。

我们的直男创作者们总是想要在剧作中，核心表达一个非常矫揉造作的情感（通常是乡愁、对过去的怀念、或者某种针对女性的意淫）；结构上一定不好好三幕剧，以标榜自己的艺术；然后再加入所谓的类型化元素（罪案、惊悚等）以试图去贴近观众。这样的影片这几年太大行其道了，然而这样创作出来的故事能好看才怪。

在我看来，三条路泾渭分明：写实、风格化和类型化。写实，就需要像国师早期的作品一样，作者得有脚踏实地真切的生活体会，放下架子去做描绘。风格化，那就不要太去强调那些通常会博得国际电影节好感的所谓中国的当地元素，而是真正在电影文本上去搭建起自己独特的东西（这方面毕赣相对已经完成得不错了）。类型化就做药神那样的东西就好了。

【咪咕视频】

在我有限的观影经历中片名中带“日”字的国产电影（《烈日灼心》《白日焰火》）都与犯罪有关，本应让罪恶无处遁形的阳光却总与罪恶如影随形，很有意思。 巧的是，本片和《白日焰火》的故事发生地都在东北，可能那片苍茫的白山黑水真的是全中国最适合拍犯罪电影的地方了。

不同的是，这部电影中的犯罪只是一条支线，电影的主线是妹妹对哥哥的暧昧情愫。这种对少数人群中个体生存状态和心理活动的细致描绘在国内大银幕上是少见的，也因此更显本片的难能可贵。

个人觉得美中不足的是，影片以罪案来推动情节展开，虽然增添了些许悬疑效果，也能体会到导演反映社会现实的意图，但杂糅的题材却削弱了影片主线的力度。私以为如果题材更纯粹一些，就着力于妹妹、哥哥、女朋友间的关系，对人物心理有更深入的挖掘，对人物关系有更丰富细腻的展现，那么影片最终呈现出的效果可能还会更加酣畅淋漓些。当然，目前的状态可能也是在不逾越审核边界的前提下，一个心系社会现实却又无法充分表达的导演的无奈之举——只能在一部讲述心理的影片中若隐若现地涂抹几笔石油泄漏、渔业垄断、宗教、非婚生子女（或者计划生育黑户、朝鲜偷渡者子女？）的背景。

即使是兄妹禁忌感情的主线，影片的叙事手法也是非常克制的，主要就是通过妹妹视角从单方面表现其对哥哥心理上精神上的依恋，最显白的表露也不过是哥哥饭局上那段小说文字的朗读。哥哥对待妹妹纯粹就是爱护和照顾，虽然生活上可能不像一般人家那么男女有别，但精神和心理上不存在丝毫的越界——至少影片表面给人的感觉是这样。至于哥哥女朋友，也是对妹妹心无芥蒂，频频送给她自己的衣物、首饰，几乎把她当成亲妹妹一样，甚至在妹妹已经明确流露对哥哥的心态而被哥哥打耳光时还挺身而出加以阻止。而在遇到富家女朋友前，这对没有户口、经常面临失业风险、相依为命的兄妹对生活也没有丝毫抱怨，在透风的简陋小屋中过着清贫快乐的日子，哥哥的生活目标就是“饿不死”。如此乐观单纯的人物性格以及和谐的人物关系，在片中萧瑟的社会环境和黑暗的渔民被害案的衬托下，到底是导演悲天悯人的善意美化，还是对审核和市场的妥协，也是不得而知了。正所谓“欲说还休，欲说还休，却道天凉好个秋！”国人的克制，从古至今一以贯之。

当然，克制的叙事与温柔的笔调也为影片带来了含蓄婉约的艺术美感，加上蜻蜓点水般的人设交代，让人在看的时候隐隐有种梦幻般的感觉，看完后内心充盈着情绪又觉得怅然若失。

电影通过梦境来反映妹妹对哥哥的依恋以及害怕失去哥哥的恐惧，两处梦境事实上也推动了妹妹的后续行为（揭发哥哥女朋友父亲）。印象尤为深刻的是梦境与现实的切换：从现实到梦境的过渡天衣无缝到让人误以为是现实；而当人物矛盾升级观众的心越揪越紧时又猝不及防被拉回现实，让人不禁长抒一口气的同时又对未来情节的走向更加好奇。这种把控有度的节奏感让观众的心情随着影片起伏，使人在稍显沉闷的文艺片中竟然隐隐有几分类型片的观影体验。

看完后不禁想起《金色豪门》中那个在自己弟弟家当管家的独身姐姐，因为和弟弟妻子“闺蜜”般的亲密关系引起占有欲强烈的弟弟不满而被赶出家门（弟弟承诺会继续供养她）。还有《猩红山峰》中合谋杀害新娘的姐弟之间不可告人有违伦理的畸形关系。西人信奉爱情至上，二人世界，夫妻也好，姐弟也罢，容不得他人插足。《日光之下》中很喜欢女朋友并且深受女朋友资助的哥哥面对因嫉妒而行为怪异几近露骨的妹妹时，虽然一个大嘴巴抽过去，最终却还是割舍不了兄妹之情，对女朋友说出“兴许你走一切就会好了。”手足与爱人孰轻孰重，不同的文化，不同的经历，自然是见仁见智。不身处其间的人说得再多也是隔靴搔痒。但是，细细想来，如果不是因为男大当婚女大当嫁的传统观念，不是因为夫妻子女构成的核心家庭模式被视作某种天经地义，兴许也就会少了很多非此即彼的痛苦选择了。

电影中有一幕是哥哥、妹妹、女朋友三人一起登上塔台。远处是无垠的莽莽林海和皑皑白雪。栏杆前，妹妹靠近哥哥，哥哥疼爱地搂住她，同时又不忘伸出手臂揽住另一边的女朋友。三个人仿佛各有心事，却因为还维持着微妙的平衡而显得温情脉脉。那一幕有种莫名的浪漫和动人。要是故事就停止在那一刻该有多好啊！

本周五“艺联专线”上映的《日光之下》，也许是近年来最受关注的中国青年导演电影之一。

它曾入围过鹿特丹国际电影节、上海国际电影节亚洲新人奖等诸多国内外的影展影节或权威奖项，同时还曾摘得平遥国际电影展的罗伯托·罗西里尼评审荣誉和费穆荣誉最佳导演。

而与诸多奖项的加身所矛盾的，则是这部电影尚未打开的受众面。其排片与票房都在市场整体的0.2%左右徘徊，首日票房尚不足10万，如石沉水底一般。

《日光之下》实际上拥有一个颇为有趣、足以吸引观众眼球的故事。影片从少女谷溪的心理视角出发建构，她自出生起就只有哥哥一个家人，两者之间的关系超越了普通的兄妹关系。如今，她要一边继续寻找着社会关系来办理身份，同时又要尝试着接纳哥哥谷亮的新女友庆长。

冬日来临，谷溪、谷亮和庆长的关系变得暧昧纠结，谷溪渐渐发觉自己似乎爱上了哥哥。而此刻另一种危险正在悄然生长，一具海上浮尸，一盘神秘磁带，让她逐渐步入成长的“黑森林”，在悬疑的青春与复杂的成人世界边缘反复游走。她并不知道自己即将失去一切。而这些惊悚事件又发生在与北朝接壤的土地上，由此生发出的枝蔓与基督教的背景，进一步将本片的暧昧气息变得芜杂难解。

风影电影的“影节前线记者”Berengaria在今年的鹿特丹国际电影节深度采访了影片导演梁鸣、影片主演吕星辰。采访原稿长达1万5千余字，出于可读性的考虑，本文编写成梁鸣“自述”的方式，让他带领着读者进入《日光之下》的电影世界。

采访/Berengaria 编写/徐若风 自述/梁鸣

一切从“演员的职业管理”开始

创作《日光之下》这部电影的渊源，和我此前的演员身份是脱离不了的。我很多年来一直在做演员，选择写剧本，把它拍出来、跑电影节，整个过程表面上也许是“梦想成真”，但回想起来，确实会有过往的一些特别心酸的细节。

在演员这个职业上，我很难获得表达的满足，会觉得自己的内心不满足。作为一种被操控的职业身份，实际上是导演在决定你演得是不是好。大部分电影都是导演的艺术，而每一个导演的工作方式又是不同的。你作为演员，就只能去不断配合，要学会去和很多不同方式的导演合作。

这是一种演员的职业管理。

还有一点，作品本身究竟值不值得一个演员去表达，它究竟呈现在这个世间，存在的意义是什么，这个问题也很关键。我觉得现在的一些影视作品并不是我想要去表演的，我更渴望的是去参与更厚重、更具社会性的作品，与我们的文化、与我们的命运紧密相关的那类作品，我希望能有这一部分的责任。

接着其实就会发现，这样的作品在市面上并不多，即便有那些角色也根本落不到你头上。这是一个长期的自我怀疑的过程，我是那么地热爱表演。我曾经甚至梦想成为像宋康昊那样的演员，尤其是韩国还离我们那么近；当我们越来越了解韩国电影，再看看自己周遭的电影，看起来是什么都有，但其实都是泡沫，完全是“虚假繁荣”。这也促使我去走电影导演这条路。

08年的时候，参演娄烨导演的《春风沉醉的夜晚》，那对我来说犹如“认识电影”的分水岭。

他给演员完全的自由，让我自己去表达对人物的理解，这种创作方式是很奇怪的。

从那时起，我第一次发觉电影是可以这么拍的，原来电影应该是这样的。过去参与的电影，甚至都“不是电影”，那些都不是自己想要做的。所以娄烨导演的创作会给我一种豁然开朗的感觉，就是突然找到了自己想前进的方向。

在演《春风沉醉的夜晚》之前，我没有享受过作为演员的那种存在感，那种美妙。对我来说，那些曾经都是很虚幻的词，在娄烨的电影里成真了。你会不经意地全身心投入，然后极其相信周遭所发生的一切。

娄烨导演有一种魔力，能够让我觉得身边的所有都是真实存在的。我似乎忘掉了大部分的自己，成为了那个角色。我相信如果去找秦昊他们的访谈，他们肯定也会提到这种感受。

尽管后来在成片里就被全部剪掉，确实是猝不及防，但我也只能让人生继续往前进。实际上，这些经历对我之后的创作非常有益，而且我也特别渴望我的摄制组能拥有和娄烨导演的摄制组同样的氛围。

我曾经待过太多的不同剧组，从不同剧组的氛围当中，你会感受到哪些是舒适的，哪些是难受的。我能做的就是让那些不好的部分尽量不要出现，尽量去尊重每一个团队里的伙伴。拍电影是一件很艰苦的事情，因为热爱，我们才会面对拍电影的困难。为何不把氛围处理得融洽呢？

无法定义的情感关系

在世界首映的那一天，我当时在看的时候，就突然觉得电影里出现的这一些人，他们不是我创造出来的，我不曾创造过他们，他们完全是真实曾经存在的人，只是我捕捉到了。

那一瞬间的这种想法，让我自己有一点感动，但又觉得挺奇怪的。所以回到你刚才的问题，那就是我突然也变成一个旁观者了，再重新去看他们的关系，会觉得他们的关系非常丰富，是不能用一种、两种、甚至三种关系去准确定义的。

说起谷溪和哥哥这种“超越惯常兄妹”的人物情感关系，当中首先是陪伴，陪伴会衍生出友情，他们在扮演着家庭中缺少的、不完整的各种角色，而且这些家庭角色是交织在一起的。这样两个人，他们从小一起成长，那么孤单的成长，他们似乎成为了彼此生命中的一部分，已经彻底密不可分了，甚至连性别也变得不重要了。

起初，他们对我而言就像是伊甸园里的亚当和夏娃，是非常纯净的人。但当他们逐渐长大，到了生命当中某一个年龄段，去看待周遭的刺激，才引发了他们对性别、对年龄、对情爱的一些新的敏锐的触发感。他们是被这个世界所刺激、所激发的，是被周围的一切所引领的。

而最早想到《日光之下》这个名字，也是源于《圣经》里面的那一句“日光之下并无新事”。我在写剧本的时候，曾经走进教堂去了解基督教元素。那其实会对你产生很多启发，这种启发就像电影里的那张纸飞机一样，愚蠢的人是看不到神的样子的，这个神我觉得是具有普世性的。

很多我身边的朋友们，大家总是在遇到痛苦、磨难的时候，才想起去做祷告、去烧香。那么你的信仰、偶像崇拜，它究竟意味着什么？它的本源是什么？跟你的关系是什么？我进行了大量的思考，才又回到这个片名。

我们的喜怒哀乐，生活中遇到的痛苦悲惨，真的往往是“并无新事”。历史在不断重演，我们从中能够借鉴什么、吸取什么，才是重点。

至于片子的英文名“智齿”，在中国我们都会说是“智慧的牙齿”，就是说长智齿了、懂事了，要长大了。这是一种成长的表象，但其实智齿是我们口腔当中多余的一个东西。多余的东西就需要去剔除掉，因为它会痛、会发炎，而这也对照着片中三人的关系。

谷溪会觉得自己好像就是那一颗智齿，本来与哥哥那样稳固的关系，演变成了一种三角关系。三角关系其实是舒适的，但是在那样舒适的三角关系中，她逐渐发现自己似乎被另外两个人抛弃了，另外两个人逐渐组成了一种稳定的关系。她似乎变成了多余的人，这也是英文名的一种隐喻。

我希望从中英文的两个片名出发，能有这样渗透人物情感关系涵义的可能性。

不只是完成表演的演员

当年在演《春风沉醉的夜晚》的时候，娄烨导演把我们所有演员都叫到一起，他看了一圈特别满意，自言自语说“挺好，你们几个都不像演员”。我觉得我的演员也应该是这样。

这次我们是在找演员的过程当中，渐渐发现谷溪这个角色在表演上有很大的难度。见了很多演员，都没办法达到我的标准。我不满足于演员仅仅是完成，完成只是刚好及格。况且我又是演员出身，就更需要在没拍电影之前，对演员部门放心。

所以我不找那种只是完成表演的演员，我要找就找能完成得很出色的，完全融入在故事里的那种演员。就应该像娄烨的电影一样，演员必须要相信自己就是这个人。

女主角吕星辰是我之前做演员的时候合作过的，在《猎杀》那部电影当中我们俩有一些对手戏。我也是在那部电影当中结识她、了解她，然后再去看她过去的电影。那么小的年纪、没有学过表演的女孩，能够那么灵动，她真的是有天赋，非常适合做演员。

在《日光之下》中，我所设想的这几个人物，他们首先应该是在生活情境中特别真实存在的，而不是有距离感的、精致漂亮的那类。当然星辰和佳佳（女二号）她们都很好看，但我不希望有那种“空壳感”，而是寻求另一种质感。星辰在生活当中就是特别真实的一个人，也不会伪装自己。种种的因素组合到了一起，促成了我做了这个决定。

星辰同意之后，我们就要围绕着她来构建3个人的状态与场景是什么样的、其他的演员应该是什么样的。我和星辰说“非常信任你的直觉，不仅仅是我的直觉，你的直觉也很重要，所以我们要共同去选择哥哥和姐姐”。

再后来见到晓亮（男主角）的时候，我说“你得有一种感觉，会觉得自己就是哥哥。”他毫不犹豫地跟我讲，我就觉得对了，因为我也有这种感觉。

紧接着找庆长的演员，我就想到了佳佳，档期上其实冲撞了，但是我们后来一直找也找不到比她更合适的，就只能尽量去协调和她的档期。佳佳个子高，身上有那种母性的感觉，很温暖，和晓亮匹配到一起的感觉太对了。

拍电影就是一直做选择

说回创作，除了娄烨之外，其实还有很多导演，他们在不同的层面上会给我一些创作上的启发和影响。

比如锡兰，我很爱他的电影，欣赏他那种缓慢的节奏，他经常会在电影中展现一种对故土和人之间的深情，很有魅力。我第一次看他的电影是《三只猴子》，现在回看起来好像是他的电影当中剧情最抓马的一个了。

还有一些韩国电影，比如罗宏镇，《黄海》的导演，当年看的时候就很震撼，叙事繁复、生猛好看，商业片的脉象下又不失作者表达。

还有李沧东，尤其是《燃烧》。他在每一个电影里都做到各方位的平衡，没有单项的跳脱，摄影、演员表演等等没有一个是“抢”的，我觉得能做到这种平衡真的很厉害。

创作对我而言就是一直在做选择，选择特别重要。尤其是真正准备融资的时候，“选择”两个大字就一直与我如影随形——选择什么样的资方，选择怎么样去跟资方打交道，怎么样去与各方合作，要到资金后又要怎么花，要挑选什么样的团队，什么样的演员，我们再选择拟定拍摄方式、影像风格、演员的表演状态……包括剧本上，人物的命运，他们要如何去做落位点或者拐点。这个过程每天都在做各种选择，从拍摄到后期的每个细节，全都需要心力。

没有电影是拍得一帆风顺，像我们这种小成本电影，就更要靠大家的智慧去解决问题。比如美术组，有钱的电影花个大几百万去选择道具，然后获得奖项、让大家称赞，那其实是应该的。但没有钱的话，要怎么样才能做出拥有一种独特气质的作品，这才是有挑战难度的。而这也是创作的魅力所在，它充满了不确定性，也让你会产生某种期盼。

而在做出这些选择的时候，我其实很少有陷入到特别艰难的纠结里。我认为总是需要找到一种方式找到答案，如果你自己不能做决定，肯定会去寻求你的团队、制片人、剪辑师、演员，大家一起来探讨着帮助你，看能不能帮你做出决定。如果你很客观地发现，大家集体来帮忙也有两种声音或者三种声音的话，那个时候你就需要往前进了，不能停滞，必须要靠自己的直觉。

直觉对于电影创作或者艺术创作来讲，是非常重要的。很多东西没法精确地像机器一样计算它。电影这种媒介载体，直觉在创作的时候非常抽象，但有的时候却能够帮助你做出最重要的决定。

之前有人问我说，你做完电影有什么遗憾吗？我说“肯定是有遗憾的，但是我怎么突然想不起来那些遗憾了，因为那些已经没有太大意义了。”我觉得现在这个版本，是我们经过反复尝试、不断调整修正之后，最满意的一个状态了。

《日光之下》在新一批青年导演的电影当中，算是比较接近工业化的，也相对比较适合大银幕观影。如果观众能在看电影的时候捕捉到某些元素，与自己的情感体验有关系的话，可能就会喜欢这部片子。当然也有些观众容易一上来就带着批判的眼光走进影院，他们怀以“我要挖掘电影中值得我批判的点”，并且把这些点放大。

我觉得看电影其实也是在看自己，一个找寻自己的过程。

《日光之下》导演梁鸣